Cate Blanchett em Cannes – Blog

por Elisa Giudici

Cate Blanchett. Foto © Elisa Giudici

Cate Blanchett veio a Cannes ostensivamente para destacar o Fundo de Filme de Deslocamento, a iniciativa que ela co-fundou com o ACNUR para apoiar cineastas deslocados e histórias sobre migração forçada. Mas a conversa rapidamente se expandiu para algo mais amplo: uma reflexão nítida, engraçada e profundamente ponderada sobre atuação, autoria, IA, risco artístico e o estado de mudança do próprio cinema…

Vestida de preto e com enormes óculos escuros cor de salmão, saídos da década de 1970, Blanchett transitava facilmente entre o humor autodepreciativo e a crítica séria da indústria. Ela falou sobre Carol antes vista como uma proposta comercial perigosa, descrita Armazém não como um “filme de cultura cancelada”, mas como um filme sobre a brutalidade da criação artística, elogiou Todd Haynes e Martin Scorsese como diretores que constroem mundos cinematográficos inteiros em torno de atores e argumentou que o maior problema com a IA é, em última análise, uma palavra: consentimento.

Seguem alguns destaques da conversa.

Sobre presidir o júri de Cannes em 2018

Na verdade, eu estava muito nervoso em assumir o papel. Lembro-me de ligar para Guillermo del Toro antes e perguntar: ‘Como você fez isso?’ E ele me deu um conselho surpreendentemente simples. Ele disse: ‘Certifique-se de chegar primeiro todos os dias e sentar-se em um assento diferente a cada vez.’ Parece banal, mas em qualquer sala, a pessoa que fala primeiro muitas vezes molda toda a conversa. Mudar de assento mudava constantemente a dinâmica.

Uma das coisas que percebi rapidamente é que julgar filmes não tem nada a ver com gosto pessoal. Sua responsabilidade é entender o que o cineasta está tentando fazer, e não se isso está de acordo com sua própria sensibilidade. Às vezes, um filme não se conectava totalmente comigo na primeira exibição e outro membro do júri o defendia apaixonadamente como uma obra-prima. Então, eu voltaria na manhã seguinte e assistiria novamente. Esse foi um dos grandes presentes da experiência. Você aprende que às vezes você simplesmente ainda não está pronto para receber um filme. A escuta profunda torna-se extremamente importante. Você não pode chegar com uma agenda.

O júri em si foi extraordinário. Viemos de origens artísticas e países completamente diferentes, mas todos estavam extremamente atentos não apenas à performance ou direção, mas também à edição, fotografia, design de produção: todos os elementos da produção cinematográfica. Esse nível de conversa foi estimulante.

E há algo estranhamente belo no sigilo do processo. Cannes protege as deliberações muito seriamente. Assim que as exibições terminam, elas literalmente impedem as pessoas de saírem, para que o júri permaneça completamente isolado. Parecia quase fazer parte de uma sociedade secreta.”

Por que Carol uma vez me senti “perigoso”

“Ninguém queria financiar Carol. O que parece absurdo agora porque é uma história de amor profundamente romântica e universal. Mas na época era considerada arriscada simplesmente porque centrava um relacionamento não heterossexual. O que era extraordinário em O Preço do Sal, de Patricia Highsmith, era que ele oferecia a esses personagens um final feliz. Isso era incrivelmente raro em histórias como essa.

Você não precisava ser gay para se conectar ao filme. Era sobre desejo, medo, vulnerabilidade, saudade. Foi uma relação profundamente humana. E acho que o público estava muito mais preparado para essas narrativas do que a indústria. Agora você vê filmes com relacionamentos queer no centro estreando em grandes festivais sem serem tratados como exceções ou histórias de “interesse especial”. Essa mudança é extremamente importante.”

Sobre Armazém e a interpretação de “cancelar cultura”

“Nunca vi Tár como um filme sobre a cultura do cancelamento. Para mim foi uma meditação sobre o poder e a brutalidade do processo criativo. Lydia Tár é alguém que é profundamente brutal consigo mesma antes de ser brutal com qualquer outra pessoa, e acho que a violência inevitavelmente se externaliza. A criação muitas vezes envolve destruição. Essas duas energias coexistem constantemente. Não há realmente uma separação entre elas.

O que me fascinou foi ver alguém que construiu toda a sua identidade em torno do controle, de repente perder esse controle. Alguém que viveu inteiramente dentro de um estado de domínio e precisão, de repente entrou em colapso. Essa interrupção do fluxo foi artisticamente fascinante para mim.”

Em uma fábula bizarra que del Toro contou a ela recentemente

“Guillermo del Toro me contou recentemente esta história bizarra, uma espécie de fábula francesa sobre o idiota que se declara o órgão mais importante do corpo. Todos os órgãos começam a discutir sobre quem é mais importante: o coração diz que é o centro da emoção, o cérebro afirma ser inteligente, os pulmões falam sobre respiração e inspiração. Aí o idiota diz: ‘Tente fazer isso sem mim.’ Então ele desliga e todo o corpo entra em colapso.

A questão é que mesmo forças desagradáveis ​​ou difíceis têm uma função. Na arte, frustração, conflito, decepção. Muitas vezes são essas coisas que produzem algo interessante ou bonito. Você luta com eles. Você precisa de resistência às vezes.”

Sobre o que separa um grande diretor de todos os outros

“Cada vez mais acho que um grande diretor é alguém que sabe exatamente onde colocar a câmera. Às vezes você está no set e algo parece errado. Não porque a atuação esteja errada, mas porque a perspectiva está errada. A câmera não está no lugar certo. Marty Scorsese fala sobre isso constantemente – que dirigir é fundamentalmente saber onde colocar a câmera.

Outros diretores constroem mundos imaginativos inteiros em torno dos atores. Todd Haynes, por exemplo, cria playlists para cada ator. Ele compartilha filmes, referências visuais, músicas, ambientes. Você entra na paisagem mental do filme antes mesmo de começar a filmar. Ele é incrivelmente generoso na forma como compartilha a arquitetura emocional do filme.

Scorsese comunica de forma semelhante, mas muitas vezes através do próprio cinema. Em The Aviator, ele exibiu comédias malucas como Bringing Up Baby e His Girl Friday para mim porque queria que eu absorvesse aquele ritmo, aquela velocidade, aquele ataque. Ele não necessariamente explicou isso intelectualmente. Ele queria que você sentisse isso. E acho que os melhores diretores também conhecem as suas limitações. Eles sabem no que são fortes e constroem equipes em torno de si que compensam aquilo em que não são fortes. O cinema é profundamente colaborativo.”

Sobre a preparação para interpretar Bob Dylan

“Enquanto eu estava terminando Elizabeth: The Golden Age, eu assistia constantemente ao documentário Pennebaker Bob Dylan porque sabia que estava prestes a voar para Montreal e começar a filmar I’m Not There. Lembro-me de entrar em pânico porque pensei que não tinha me preparado o suficiente. Eu senti como se estivesse passando diretamente de um papel enorme para outro, sem espaço suficiente entre eles.

Mas devo ter absorvido tudo por osmose porque meu corpo estava mudando para o papel, eu estava convivendo com todas aquelas imagens todos os dias, e então eventualmente você chega no set e percebe que a preparação só leva você até certo ponto.

A certa altura você tem que deixar tudo isso para trás porque ninguém quer ver seu dever de casa na tela. O verdadeiro trabalho começa quando você entra na atmosfera que o diretor criou, quando você veste o figurino, quando você começa a responder aos outros atores e ao ambiente ao seu redor.”

Sobre Woody Allen, Jasmim Azule o conselho de Penélope Cruz

“Com Woody Allen você costumava fazer uma ou duas tomadas e depois seguir em frente. Penélope Cruz me deu um conselho maravilhoso antes de Blue Jasmine. Ela me disse: ‘Se você quiser outra tomada, culpe o sotaque.’ Como Woody não falava espanhol, ela aparentemente sempre pedia outra tomada por causa de seu sotaque.

Então comecei a fazer a mesma coisa. Eu diria: ‘Desculpe, posso fazer isso de novo? Eu estraguei o sotaque. Às vezes era assim que você conseguia uma terceira tomada. Mas também havia algo emocionante nesse nível de urgência. Se todos sabem que não há tempo, todo o cenário entra numa espécie de concentração coletiva que parece quase teatral. Todo mundo trava junto. E quando funciona, é eletrizante.”

Sobre escolher papéis que a surpreendam

“Os únicos papéis que realmente me interessam são aqueles em que penso: ‘Nunca me imaginei fazendo isso’. Interpretar Elizabeth I quando eu ainda era basicamente uma atriz australiana desconhecida mudou tudo para mim porque ninguém esperava que eu fizesse isso. Mais tarde, interpretar Bob Dylan foi igualmente desestabilizador da melhor maneira possível. Esses são os projetos que forçam você a entrar em território inesperado. Eles empurram você para algum lugar que você não sabia que poderia ir.

Não penso muito em manter uma certa imagem ou consistência na minha carreira. Estou muito mais interessado na curiosidade. Se consigo sentir muito claramente o que algo vai acontecer antes de começar, muitas vezes perco o interesse. Os únicos papéis que realmente me interessam são aqueles em que penso: ‘Nunca me imaginei fazendo isso.’ “

Sobre equilibrar atuação com maternidade

“Tenho quatro filhos e uma vida muito plena fora do cinema, então às vezes minhas escolhas também são práticas. Em parte, é por isso que fiz grandes papéis principais e pequenos papéis coadjuvantes ao mesmo tempo em minha carreira. Às vezes, só quero entrar em um projeto por algumas semanas, contribuir com algo e desaparecer novamente. Gosto de fazer parte de grupos. Gosto de entrar e sair das coisas. Nunca quis que toda a minha identidade existisse apenas dentro da indústria. Adoro meu jardim. Adoro minha vida familiar. Há muitas coisas lá fora. atuações que são profundamente importantes para mim e acho que manter esse equilíbrio é saudável.”

Sobre a solidariedade feminina na indústria

“Quando entrei na indústria, havia essa narrativa tóxica de que as mulheres eram inevitavelmente rivais. Era uma mentira. Fomos encorajadas a nos ver competitivamente porque, em primeiro lugar, havia tão poucas oportunidades sendo oferecidas às mulheres. O que vejo agora são atrizes produzindo filmes, dirigindo, criando oportunidades para mulheres mais jovens, apoiando cineastas emergentes. Sempre existiram roteiros escritos por mulheres. O problema é que eles não estavam sendo feitos ou distribuídos adequadamente.

Acho que a minha geração está muito consciente do ambiente de onde viemos e muito determinada a não replicá-lo. Há muito mais orientação agora, muito mais apoio ativo, muito mais desejo de ajudar outras pessoas na sala. E honestamente uma das coisas mais emocionantes é a troca entre gerações. Meu filho trabalha na indústria e está constantemente me apresentando a cineastas, músicos, artistas que não conheço. Essa conversa entre gerações é incrivelmente energizante.”

Sobre IA e o futuro do cinema

“A questão central da IA ​​é o consentimento. A IA é inevitável, mas o público precisa saber o que é real e o que não é. O consentimento humano deve permanecer no centro da conversa. Tenho trabalhado com um grupo chamado RSL Media que está tentando desenvolver um padrão de consentimento legível por máquina. A ideia é muito simples: vermelho significa que o consentimento não foi dado, âmbar significa que o consentimento pode ser solicitado através de determinados canais, verde significa que foi concedida permissão para usar a imagem, voz, trabalho ou semelhança de alguém.

“No momento, os sistemas de IA não entendem inerentemente o consentimento humano, e isso é profundamente perigoso. A inovação pode absolutamente coexistir com a criatividade humana, mas não se a transparência desaparecer. Não sou alguém que usa muito a IA na minha vida diária. Prefiro ler um livro ou dar um passeio, mas obviamente isso se tornará parte de todas as nossas vidas. É exatamente por isso que essas conversas precisam acontecer de forma pública e clara.”

Sobre se ela ainda pode assistir filmes simplesmente como espectadora

“Com certeza. Acho que gosto de filmes ainda mais agora do que quando era mais jovem. No início da minha carreira, assistia filmes de forma analítica. Estava constantemente tentando entender o que cada departamento estava fazendo, o que havia sido cortado, como as cenas eram montadas, como as performances eram moldadas na edição.

Agora me rendo ao cinema de forma muito mais completa. Ainda choro, rio, fico com medo. Sou um grande público. Acho que é importante preservar sua capacidade de admiração. Se você perder isso, talvez não devesse mais fazer isso.”

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